读书笔记《西方美术史话》读书笔记和读后感。接下来就进入我们现代人最熟悉的那一段，叫作印象派的时期。
印象派在最开始的一个代表人物是马奈，马奈画了一幅被当时的法国政府大力批评的画作——《草地上的午餐》，画了一个没穿衣服的人跟那些西装革履的人坐在草地上一块儿吃午餐，他怎么想的？那幅画的革命性体现在哪儿呢？
马奈《草地上的午餐》
慕容引刀：其实革命性就体现在这里，一个不穿衣服的人跟一帮绅士坐在一起吃午餐。他的突破性就在于主题的突破性，就是你说的革命性，他推动了这个部分，画了不可能出现的场景。你们的那些虚伪的面纱，我给你挑破了。
樊登：接下来要介绍的就是雷诺阿，雷诺阿这个名字可能很多人不熟悉，但他的画你一定见过，一幅叫作《包厢》，还有一幅就是《红磨坊的舞会》。《红磨坊的舞会》那张看着真是太惬意了，歌舞升平、欢乐、动感的那种感觉。从这个时候，我觉得印象派的那种感觉出来了，就是模模糊糊的，画得不求特别真，但是气氛从那幅画里边一下就能够凸显出来。
雷诺阿《红磨坊的舞会》
慕容引刀：对的。以前的人没有照相机，他们都在想，我怎么画得更像一些、更真实一些、更有戏剧性。但照相机一发明之后，你现在怎么画都不如照相机来得快，那么我们当然就开始想，除了画得像，我们还可以做一些什么？
你看以前画得像，我们要讲究轮廓、造型的精准、光线，但到了印象派，我们不求画得像，那我们可以强调色彩，我们强调这种光影斑驳。你看你刚说的那张画——《红磨坊的舞会》，大家一起游乐的场面，它的主角其实不是那些跳舞的人，主角是那个画面里的光，身上的光斑，额头的、脸上的、衣服上的、满地都是的那些光斑，这些才是主角，是这张画的吸引人之处，洋溢着一种轻松、快乐、愉悦的气氛。
樊登：有时候你去看了一场马戏，或者参加了一个聚会，灯红酒绿的，晚上回到家，你脑子里可能一幅清醒的画面都没有，全是光斑，全是那种乱七八糟的印象。但这些朦胧印象有可能比那些画得很真实的东西更真实。
慕容引刀：其实写意从某种程度讲，就是一种写实嘛。你得到的一个印象，你把它表达出来，这不是你印象中的真实吗？
樊登：所以到这个时候，印象派开始慢慢地崛起。我们讲了马奈，讲了雷诺阿，然后到德加了。德加有两幅画，一幅叫《乐池里的音乐师》，一幅叫《舞台上的舞者》。印象派的集大成者，或者说最有名的、现在被最多粉丝追捧的就是莫奈，莫奈画了《睡莲》和《吉维尼花园的日本古桥》等。
德加《乐池里的音乐师》
莫奈的作品有一个欣赏的方法，我也是看书学来的。你看莫奈的作品，应该先把脸贴在上面，你会发现什么都看不清，然后慢慢往后退，退着退着那些形象就出来了，越来越清晰。莫奈的风格为什么那么容易辨识呢？让大家一看就知道这是莫奈的画作。
慕容引刀：因为之前还真没有人这样画画，他是革命性的。他追逐的是光影的效果，就是光在这个时刻产生的一些色彩斑驳的效果，组成很细碎的色彩的小笔触。所以你想，就像马赛克图一样，你近看能看出什么来？你就得往后退，所以这种小笔触就造成了你刚刚讲的那个视觉效果。这个效果，之前没有人这么画，可是他追求的就是这些。在他看来，那些形体的东西，不足以让他有动力再去追求了。
樊登：跟莫奈同一个时期的可能是塞尚，塞尚是被毕加索称作“现代主义之父”的人。但是我看塞尚的画，总是不像看莫奈的画那么容易有感觉。比如说塞尚画一张桌子，那桌子还是歪的，上面摆几个苹果，跟达·芬奇的透视是完全不一样的。达·芬奇的透视，你一看就觉得他是对的、精准的；塞尚的画，一看就觉得画歪了。但是为什么他会启发了后边的毕加索，启发了这么多现代艺术家呢？
塞尚《静物与篮子》
慕容引刀：我觉得他的思考方式不一样了，他肯定不再按照原来的方式，去还原一个现实世界，不再考虑这张桌子、这个杯子、这个透视应该是这个样子。他更多考虑的是它的构成，这几样东西组合在一起，背后是一种什么样的构图。
他希望看到它的结构在里面，所有的这些杯子的结构、桌子的结构。哪怕这个结构不精准，在他看来，这个就是他要追求的永恒的东西。那些精准的造型、那些色彩斑驳的东西，他看不上眼的。他想要的是这样一种剥离了物体表面的、更偏形而上的思考方式。
樊登：绘画史上有很多一对一对的搭档。比如说，马蒂斯和毕加索就是一对搭档，两个人在不断地竞争，就看谁能够再突破一点点。马蒂斯就是大家所知道的著名的野兽派代表，为什么把他叫野兽派？
慕容引刀：就像评论家评论莫奈的画说，这是什么呀，就一个印象而已，是一个贬义，那我们就叫印象派了；马蒂斯也是一样，评论家说，这简直画得像野兽一样，那就变成了野兽派。
樊登：马蒂斯最有意思的是什么呢？他给他妻子画了一幅画，把他妻子画得没法看，这儿一坨、那儿一坨，根本就不像是个人，然后把画交给他妻子，代表他对妻子的爱。后来其他人看到那幅画以后，说你这画得就不像一个人啊。然后马蒂斯说：“对啊，这是一幅画，这不是人。”这是他的名言。
马蒂斯《戴帽子的女人》
慕容引刀：对，说得对，这个价值观在这里，这是一幅画，这不是一个人，不要按人来看。
樊登：马蒂斯和毕加索都同时受到了非洲面具艺术的启发，为什么后来毕加索会成为一个更集大成的人呢？
慕容引刀：在我看来，毕加索凝聚了一部美术史的发展。你看他小的时候，很早就展现出了天分，他十三四岁时画的那种写实的油画，很早就把人类早年拥有的绘画经验学会了，然后再一路往下走，就渐渐走到了形体越来越不可辨、越画越不像的阶段。
他同样受到了非洲雕塑艺术的影响，所以他发展出的画风是人物更变形、更概括、更提炼，模仿非洲雕塑的造型特点。可是他不止步于此，他一直在变，一直在推陈出新，走下一步，所以他是一个从来没有停步的人。
同样受到了这些影响之后，马蒂斯可能走向了偏剪纸的效果；可是对毕加索来讲，他发展出了立体主义，后面更无法去判断到底是属于什么主义了，他一直在不停地推陈出新，所以他就更厉害。
樊登：曾经有业余的人，就像我们这样完全无知又无畏的人，会觉得说“那种画我也能画”，随便勾几个线条，就卖几百万。我以前也这么想，想说回家我也弄去。但后来你一看毕加索早年画的画，你就傻了，人家是有功夫的。你回家照着画，根本不一样，评论家一眼就看出来了，你那一笔过去没自信，人家那一笔就是很有信心的。
慕容引刀：对，那是思考的结果。
樊登：真是不一样。梵高被归入“后印象派”，他这个“后”是“后”在哪儿？为什么要分一个“后印象派”？
慕容引刀：其实从时间上看，他们几乎都是同一代人，大家彼此也都认识。“后”的原因在于，像莫奈，无论他怎么变形，他其实还是照着那一片荷塘画的，这是清晰可辨的，自己个人的因素并不多，多的还是光影造成的这一画面的效果，其实还是写实的。但到后印象派这几位，梵高、高更这些人，他们其实画的不是眼中看到的世界了，他们更多地画心里面想的、理解的。
樊登：看梵高画的《星空》，好像星空都流动起来了，星星都熔化了一样的感觉。
慕容引刀：那他肯定感觉到了星空流动，或者他犯了美尼尔综合征，他感觉这个东西是动的或者是躁动的，那他就把这个印象画了出来。
樊登：我觉得有机会可以给大家讲讲《梵高传》，因为这个人的人生也很奇怪，而且据说他跟高更两个人也是纠缠不清。
慕容引刀：又一对搭档，是吧？
樊登：对，他发疯，很大程度上是被高更气的。
慕容引刀：对，被刺激到了。
樊登：这是梵高和高更。梵高我觉得大家都很熟了，知道像《向日葵》《咖啡馆》《星空》这样的作品。再往后，就进入了一个叫作象征、梦幻和潜意识的时期，我觉得这个也跟您刚刚说的科学的发展是有关的，比如说量子力学开始出来了，弗洛伊德的潜意识的理论来了，启发了无数的文学家、艺术家、画家、音乐家。
这个过程当中，最有名的比如说莫罗画的《莎乐美》，就跟梦境一样，让你觉得有点恐怖，反映心里潜意识的那种感觉。
莫罗《莎乐美》
慕容引刀：对，甚至画面挺吓人的，但是我们做噩梦都有经历。
樊登：还有米罗的作品《构图》。
米罗《构图》
这里边最有名的就是达利了，达利画了钟表熔化掉的样子。
慕容引刀：达利的画，你看每一件物件，都能看懂是啥；但组合在一起，你就不知道是啥。
樊登：达利画的最有名的一幅画，叫作《由飞舞的蜜蜂引起的梦》，就是一个老虎从画面里边跳出来。
达利《由飞舞的蜜蜂引起的梦》
慕容引刀：口里还吐出一把枪。
樊登：我不知道你有没有看过一本书，叫《达利的骗局》，很有意思。《达利的骗局》就告诉我们说，后来收藏达利画作的人，很多都亏钱了，原因是什么呢？因为假画太多，谁作达利的假呢？他自己。
达利到了晚年根本不画画，他的办法就是每年雇一批小孩替他画，而且他最后连签字都懒得签了，他一开始是每幅画签个字，最起码他的签字还是真的。后来他到了晚年，就变成每年发明一种签字，我今年是这种签字，然后授权给你们，那些画家们画完了，照着他那个签字签。所以等他死了以后，人们发现说，这人怎么画了这么多的画？然后就开始纷纷地落价赔钱。
他最后变成了一个有点偏执，也有点奇怪，整天搞一些很荒诞的事的一个人。因为他太有钱，又认识那么多的名流、女演员什么的，把自己的艺术变成了一个纯商业的流水线。
慕容引刀：他可能把自己都活成了一个商业产品，所以就收不住了。
樊登：他为什么不学一下维米尔？维米尔这一辈子就三四十幅画，就是大师，了不起；达利画成那样，晚节不保。
慕容引刀：可是时代不一样了呀，达利那个时代就是躁动的，无法安静得像维米尔那样在书桌前面老老实实画画。
樊登：商业社会是不一样的。维米尔那时候，画得多也卖不掉；达利那时候有了广告，有了包装，有了巨大的广告效应，可以上电视、上广播，就不得了。
慕容引刀：对，而且他很在意自己的这些价值。
樊登：所以再往后，你就会发现变得越来越荒诞、越来越奇怪了。还包括我们后来看到的比如说康定斯基，康定斯基画的画，直接就没有名字，叫作《构图十二号》。那时候康定斯基、蒙德里安这样的人，他们画的很多画，就是一些辐射或者一块一块的颜色，为什么会这样呢？
康定斯基《构图十二号》
蒙德里安《红、黄、蓝的构成》
慕容引刀：这也是一种观念上的开创。你看我们之前说到毕加索，你仔细辨认毕加索所有的东西，还是有迹可循的，这是和平鸽，这是一头牛，这是一个人的脸，这是一匹马……就像《格尔尼卡》里面，也总能找到对应的、小孩子都能识别的图形。
毕加索《格尔尼卡》
可是到了蒙德里安，那不就是色块吗？他完全没有这些图形了。到了康定斯基的时候，做一些放射性的颜色或者线条或者点线面的组合。这个就是我们刚刚讲的“把绘画还给绘画了”，他不再是为了表现一个形体，我画出一个你看得懂的东西，没有这件事，不存在，我就是让它这个东西是好看的。
比方说，我们今天看到一棵梧桐树，咱们上海路边多的是梧桐树，你觉得梧桐树的树干好好看，盯着局部看的时候，这个局部其实是一幅抽象画。你远看梧桐树，只是一个斑驳的美；近看的时候，它其实像一幅抽象画，它并不具体。这是一个什么东西？你无法辨认了，可是它依然是美的，这个就是“把绘画还给绘画了”。
我们表现的是这些色彩，点线面组合起来，它会是美的。如果没有蒙德里安的探索，不会有我们后世的这些现代建筑。比如方房子，怎么会有这种美的东西出现呢？就是因为他们这些人的探索。
樊登：你看我前面讲西方美术史，讲了这么多，没有美国什么事，基本上都在欧洲。但是二战以后，因为文化开始往美国转移，美国的建筑、美国的画家都开始慢慢崛起，这里边最有名的就是波洛克。
波洛克的故事特别逗，他是要给人家一个画廊交画，怎么都画不出来，结果后来到快交活前受不了了，他就开始拿着刷子在画布上甩，生气了，就乱甩，甩完交活，就成了波洛克风格了。一下子成了超级无敌的大师了，那样的画您能看懂吗？
慕容引刀：我倒是觉得他那个所谓的“滴画法”，就是甩出来的这种画，反而还更容易去欣赏它的美，它的装饰感很强。你知道我们有时候看大自然中一个石头上的苔藓，或者石头形成的斑驳的肌理，就觉得这个如此天然，真的是上帝的杰作，它很好看。但是像他那样去甩，你要真的去刻意展现出一种很自然、很天然的感觉，还真的挺难。
波洛克《构图十四号》
樊登：那我们这些普通人，我们可以回家甩甩吗？我们买点画布，去甩一下试试看。
慕容引刀：这里边其实包含一个说法叫“美是有法则的”。你得有节奏感、有起伏、有变化、有韵律、有互相的冲突，可是又和谐、对立统一。这个是基本的美的法则，包含了这个法则的东西，你会觉得是美的；不包含，哪怕再抽象，它还是不美的。所以这里面还存在这样一点区别。
樊登：最后再介绍一位大师，后来商业社会越来越发展起来以后，就有了波普主义。波普主义开始是剪贴画，波普主义崛起的核心原因是什么呢？
慕容引刀：我觉得所有的艺术，其实就像海里的浪或者长江里的浪。长江后浪推前浪，时代发展到了这一天，比方说美国的商业文化极其发达，那它到了这个时候，自然而然地成了这个时代的艺术主流或者弄潮儿，就是因为时代在背后推动。
以往的艺术形式我们都见过了呀，哪怕冷抽象、热抽象、波洛克风格，我们都见过了。那我们想见一种既能够有时代特征又很有新意，而且背后有一套艺术家自己的哲学和世界观的东西，那这个相应就深入了。
樊登：时间过得真快，我们今天用这一个多小时的时间，帮大家捋了一遍西方美术史。我们再从头回顾一下，从岩画开始，然后古埃及、古希腊、古罗马，之后进入黑暗的中世纪，然后文艺复兴。文艺复兴后期出现了提香、威尼斯画派，还有德国的和尼德兰的画派；之后到巴洛克——浪漫主义；然后从这儿开始进入17世纪的荷兰画派，荷兰画派是维米尔和伦勃朗的那个时期；接下来到学院派；然后开始闹大革命，大革命之后进入现代的印象派；然后开始后现代主义，一直到最后的这种抽象、立体，最后到波普。
希望大家对西方艺术史上这些重要的人物和他们的代表作，能够有一个对应关系。我们没法让大家彻底地成为专业人士，但是最起码我们以后在欣赏这些画作的时候，不会一无所知。当你心中有一点感觉的时候，你再去看那幅画，你就会觉得豁然开朗，就会觉得开心很多。
因为只有一个小时的时间，简单地介绍了一下这本书的主要脉络，我觉得其实有点可惜，所以我就邀请了慕容引刀老师帮我们做了一门大课。因为慕容引刀老师是我认识的画家里边讲得最好的，他的课很有意思，他一边讲一边画，他自己上手特别快，然后就把画的精髓给你画出来了。慕容引刀做了一门西方美术史的大课，一共是100课时，每节大概15分钟左右，这是相当有体量的一个作品，很快就会在我们樊登读书APP上线。
如果大家对于西方美术史、对于慕容引刀老师的讲解有兴趣的话，可以去试听一下，谢谢大家！希望大家喜欢艺术，希望大家能够让自己的生活变得更加有趣。
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